钢笔画，在人们的概念中，它所能达到的效果、表现的能力，仍处于某种“低级状态”。这里所说的“低级状态”就是指它所表现的物体存在着一定的局限性。相对于其它画种来说是受到很多的条件限制和制约的。

由于钢笔这种工具携带方便、操作简单，其作品又易于保存，所以，一般人们都用它来做一些“正式”作品的前期创作。比如一些速写或写生之类的作品，在这里我姑且称之为钢笔画在表现能力方面的“初级阶段”。

有些人喜爱这种表现形式，有些人在这方面的能力受到称赞，他要极力达到并完成自己所要表现的物体的“完整性”，在“初级阶段”的基础之上进一步的发展，接下来的变化有别于“初级阶段”的作品，这些作品具有较强的表现能力，其作品的独立性也愈加完善。一般这种作品，我们把它称之为“钢笔画”。

研究一个艺术家的创作过程，这要比直接研究其作画过程更具实际意义。我说这些，的确是一个艺术家在创作其间的感受，彷徨、焦虑。只有当你身处其境时才会有这些感受，才会理解这种感受。

钢笔画，它所能达到的表现能力，远比人们传统观念上的概念要强的多、深的多。其实，无论用什么工具，无论用什么方法去表现某种物体，不仅仅是能力方面的原因，更重要的是观念所致。观念新，表现形式就新，其认识就深刻，所体现的作品就趋于完美。一位艺术家最致命的障碍，最难逾越的鸿沟就是他观念。可能这位艺术家具备很强的艺术能力，也具备其他各个方面实力，但仅由于他的观念所致，致使他在艺术道路上停止不前，甚至艺术生命趋于灭亡。所以，观念是每一位艺术家乃至全社会的一种最大的障碍。我建议凡是从事于创作工作的人，要不断的更新自己的观念，多读书，多到大千世界去研习，多研究专业以外的东西，哪怕是儿童玩的游戏。因为只有这样，你才能在不其然中跳出禁锢你的“观念”。活跃、多变、年轻、旺盛，这是我一直坚持的标准，也是所有的艺术家们摆脱困惑的方式，以防止受到观念上的禁锢，确保艺术生命的活力。

观念上的更新，会使你的作品富有新意。在这里强调观念上的问题，绝不是一个简单的问题，也不是一件容易解决的问题。如果你正在进行创作，如果你正在准备进行创作，我劝你最好稳定一下自己的情绪，检查一下自己的观念。发生在你周围的一些事情，你是否会对其抱有兴趣，你是否会用一种良好的心态来解释这些事物，你是否会用正确的观点来判断这些事物的发展。历史验证的一些事物，你是否能够接受，是否能将这些事物合理的解释清楚。这不是在搞心理测验，但这对艺术创作大有好处，也是决定性的，观念上的保守对其艺术生命具有毁灭性的打击。

综上所述，当我们具备了正确的分析事物的能力，当我们对周围的各种事物持有良好的心态，我们的观念会随之改变。大凡伟大的艺术家在这些方面都具有超强的能力，所以，他们的作品都具有哲理性、永恒性，因为他们理解人类乃至世界的本质。

当我们解放思想以后，再来谈钢笔画，我的钢笔画就是在观念上的突破。我认为，在黑白灰色调的世界里，只要存在的，钢笔画都能表现出来。通常，我们研读其它画种，认为它们就应该是我们今天看到的这个样子。其实，祖先们在刚开始时也在一直探讨这些问题，他们当时所用的工具、材料、手段等等，是否能把一个鲜活的世界表现得完美，几千年的历史告诉我们，人类的一切努力都是在这种状态下完成的。

基本的元素被控制以后，完全有理由在我们的作品中得以表现。接下来，我要为在创作中所涉及到的，也是大家最关心的——质感，做一些基本的介绍。

世界上的有形物体虽然繁多，但基本可归纳成几种：动物、植物、山石、水系及人造物等几大类。就钢笔画而言，要栩栩如生的表现到位并不是一件很难的事，我们在这里探讨钢笔画，我视同大家都是在有一定的基础或更高的水准之上来进行的。无论大家研习哪个画种，基本的要求，就是要以外在来体现内在，就是通过质感表现物体的神态，即生命力。关于内在的体现，我不想在这里多说，因为大家无论从师于何处，这是最基本的学习要素。这对任何画家都是非常重要的，否则，你不是一个画家，而是一个画匠。

很多初学者在学习绘画时都试图寻求其绘画的技法。在我的创作过程中，从始至终从未在所谓的“技法”中彷徨过，也就是说，在整个创作过程中，没什么技法可言。我认为，在创作过程中一旦追求技法，便会使人走入误区。艺术创作不应该有什么法则，它的思维应该是无限的，它的表现是随心所欲的，如果一旦规范成条，那便不是什么艺术了。

写到这里我相信大家会明白的，我的画册为什么不以所谓技法方面的书出现，我所担心的就是怕使人走入误区，我没这么做，却告诉你这么做。在这里我还想重复一点，即使你我可能画的基本相似，但请相信一点，你我的生活、阅历等各方面有所不同，所以其作品也不相同。我曾和一位画友共同去采风，当我看到一处景观时，支起相机拍照下来，这时我的画友也过来，站在我支三脚架的位置，来取我拍照过的画面，照片冲洗过后，虽然大致相同，但构图有了本质上的不同。介绍这一段经历，就是要告诉大家，人与人之间永远是有差异的，但这种差异往往就形成了我们的艺术个性,。正因为如此，一幅幅美妙绝倫的绝世作品流芳百世，五彩斑斓的艺术佳品展现在世人面前。

鉴于看过我的钢笔画作品的朋友对我从事创作所提出的一些问题，同时，为了让大家更好的了解我的作品，便于探讨，在此，我向大家介绍一下我的绘画工具。

我所用的笔尖有两种，一种是灯塔牌101绘图笔尖，产地为上海；另外一种是进口的日光NIKKO圆笔尖，产地日本。两种笔尖使用效果略有不同，灯塔牌笔尖价格低廉，细度控制相对较差；日光牌笔尖价格较贵，但细度控制较好。关于笔杆，也有很多种，有硬塑的还有铝制的，我用的都是硬塑的。

在作画时，为了充分表现物体的质感，笔尖应始终保持干净，不能有任何污垢。笔尖一旦发生变化，要立即更换。一般在在使用过程中有两种情况下应更换笔尖：一是笔尖表膜丧失，二是笔尖受到压力变形。尖表膜丧失，是笔尖受到墨水的腐蚀所致，笔尖发滞，易留垢块。笔尖受到压力变形，是笔尖在使用过程中，由于受到外力的压迫，致使笔尖出水缝张开，这样所画的线条就达不到细度。总之，要经常检查笔尖的状况，始终保持笔尖像新的一样。我在作画时，为了保持笔尖的清洁，事先准备好一杯清水和一块棉质布或手帕，用于随时清洗和擦拭笔尖。基本在每次蘸墨水前都清洗一下，然后擦干，再蘸墨水，当天的绘画结束后，也要将笔尖擦拭干净，以备后用。

我使用的墨水，一般都是国产的专业的绘图碳素墨水。墨水的质量各有不同，长期挥发，有些墨水容易粘稠、结块。作画时，我常遇到这种情况，这样我就会稍稍往里注一点水进行稀释。

我用于作画的纸，种类很多，但基本都是质量好的卡纸。对于卡纸，我的要求很高，首先它的吸水性要低，密实度要高，纸面光亮，手感光滑。另外，在厚度上，要选择厚一些的，以防止季节变化、年代久远使之变形。

我在作画时也曾用过其它的纸张，比如说，我曾用过白色的相纸（未曝过光、经定影后获得的相纸），它上面有一层胶膜， 画出来的效果很特别，感觉很好。另外，我还尝试在吸水性的卡纸上作画，也产生了特殊的效果但就我个人而言，我不喜欢，也不推荐使用吸水性的纸张，因为有些效果不利于控制。

用于作画的其它工具，还有直线绘图笔，我主要用它来做画的边框，一般我用 0.15~0.2的绘图笔。在开始作画的放稿前，我都是将其边框先用直线笔画完，然后再放稿。另外，我还用直线尺、橡皮等工具。

艺术创作过程，是整体的、统一的、不可分割的。我在创作过程中，没有分阶段进行，如果一旦分阶段进行，那么，会把艺术弄成教条，令人走入误区。但是，为了便于研讨，特分为以下几个阶段：

一、作品的酝酿阶段，也就是构思阶段。这个阶段在整个创作过程中具有主导地位，起着决定性的作用。主题的优劣、思想的深度、内在的永恒与否，会直接贯穿你的整个创作之中，这个阶段也是一位艺术家的一生积累的涌现。

我身边有很多朋友终日彷徨，甚至有很多人年轻时已经取得了很大的成绩，但在某一个时期不知不觉的停顿下来，这样的状况很普遍。究竟是什么原因造成的这样的结果呢？就我个人而言，这些人主要是在这方面出现了问题。这是很麻烦的一件事，因为这个阶段是一个综合性的阶段，它既要求你具备高水准的绘画水平，同时也要求你具备高水准的世界观。其它领域的知识相对于绘画水平而言，在这里重要的多的多。

关于给自己定位，确定创作主题，就是要根据自己的综合能力，来确定自己要表现的题材。有一部分人，一直在强调没什么题材可搞的，也有些“坚持不懈”的朋友，经常四处寻找题材。其实，题材就在我们身边，只要有思想性，任何一样东西都可以表现，我在这方面并没有觉得很吃力。首先我来确定我的目标，我喜爱自然，喜爱没有粉饰过的物体，只要是我感觉美好的，我都想把它表现出来。我认为，最朴素的也就是最真诚的；最本质的也就是最善良的；最自然的也就是最美好的。由此而言，这就使我明确了我的目标。每个人的生命是有限的，其艺术生命更是短暂的，所以，一位艺术家永远不可能将这个世界面面俱到地表现出来。作为一个艺术家，应通过你的作品来表现事物的本质。什么是我们所了解的事物的本质呢？相对而言，那就是我们身边的，也是我们最熟悉的事物。既然如此，我要去表现自然，表现生我养我的故土，把我所享受到的美好，展示给他人。目标已定，那就要确立主题思想，我给自己确立的主题就是给世人提供的“报告”，这份“报告”也就是我的艺术踪迹，让人们通过解读我的作品，来了解我的“一切”。

我把自己的目标锁定在自己生长的土地上，在这片土地上寻找让我感动的事物。通过创作，我感到自然的东西，也就是永恒的东西，作品的永恒性也就在这里得到了体现。为什么有的艺术作品，至今读起来、看起来、听起来总能令人心灵震撼，那就是它的永恒性。我分析过好多作品，其中包括音乐、诗歌等等，它们之所以能够流传至今，就是艺术家在其创作其间，生命、思想与其所创作的作品是融为一体的。如果，艺术家是艺术家，作品是作品，两者区分开来，那么，其作品不可能成为永恒的东西。有人说作品就是孩子，其实不然，作品就是你自己。所以，为了更好地检查自己作品的永恒性，就看你在创作过程中，你与你的作品是否融为一体。

 二、作品的取材阶段，即收集素材阶段。在这一阶段中，为了保证作品的永恒性，我们一定要遵守自然法则。我不赞成对所取的素材肆意添加、取舍。我认为，存在就有其存在的道理。有些东西，乍看起来是不符合作画条件的，但仔细研究却是合理的，它们有着内在的、必然的联系。在这种情况下，你要表现它，就要求你具备高超的审美能力和构图能力。

有些时候，我们取回的素材，看起来没什么“主题”，比如说，一片原野，风光秀丽，有的朋友认为，为了更加“生动”起见，应该在画面上放一些吃草的牛。我认为，作品是否有生命力，并不是因为“牛”的存在而使作品充满活力，而是作品本身是否具有活力。正因为作品本身具有活力，它才有可能永恒。所以，在收集素材过程中，要对客观事物进行仔细观察，谨慎取舍，因为一切人为的更改，都会或多或少的对作品本身造成影响，从而令你留下终生的遗憾。

取材，方法很多，我常用照相机作为取材的辅助工具。现在科学很发达，各种类型的照相机都有，但作为钢笔画创作来说，我认为要使用高级一些的较好，因为钢笔画虽然只是黑白色的，但是，它对色度呈像率要求很高，灰度越丰富，那么所创作的作品的内容越丰富。另外一点，好的照相机，它的呈像清晰度就高，适合放大，因为照片所放的尺寸与作品的尺寸越接近，内容就越丰富。

在我的创作过程中，素材的摄取，我从来不用黑白照片，因为黑白照片有些关系是体现不出来的。我们进行艺术创作，不可能全盘照搬。彩色照片其中有些色彩，明度相同，但颜色不同，比如说，灰绿和灰红，明暗度相同，在黑白照片里是相同的，但在彩色照片里有着很大不同。在一片灰褐色的土地上，生长着青草，通过光线的作用，色度相同，但我在钢笔画的表现的过程中，则有意识提高或降低两方的关系，以突出主题，所以，采用彩色照片来取材是非常科学的。

在取材过程中，最重要的一点就是要注意构图。美的东西就在身边，就看你能否使其变成一幅美丽的画面。为什么有些画家能组织起来看似很常见的东西，但又非常美丽的画面呢？其中一个主要原因就是他的构图能力非常强。我们出去取材，会浪费很大的精力、物力、财力，如果所取的素材不理想，那是件很麻烦的事。我的作品的素材，基本都是一次到位的，几乎没有什么改动。

我居住在东北这块黑土地上，每年都出去几次收集素材。虽然平时收集的素材很多，但我还是坚持每年都出去。这有很多因素，其中很重要的因素，就是我们每个人每时每刻都发生着变化，世界观也发生变化。二十几岁的所做所为，今天看起来是多么的可笑，随着岁月的流逝，年龄的增长，阅历与修养使你的作品更加富有内涵。

季节上，有人喜爱春季，也有人喜爱秋季。我呢，四季都喜欢表现，每个季节有每个季节的不同，日出日落，光影迁移，所以无论什么样的季节，只要我有时间。

另外，我的素材不只画钢笔画，我也画一些油画，说这一点，就是让大家知道取材时，不要局限于某些方面，要广泛取材。

取材结束以后，便进行冲洗整理。整理基本就是挑选、安排成画的顺序，并根据素材的内容，确定画幅的尺寸。

三、作品的表现阶段。这是整个创作过程中的最后阶段，也是表现能力最高的阶段，一切前面的劳作都在这里体现。

开始我们需要将素材落在画稿中，可称为落稿。早期落稿，我一般采用打格放大法，比如，我的素材小，但我的画幅大，那么，需要准确的比例放大，一般我采用打格放大法。

打格放大法很古老，虽然很好用，但也有一些缺点，由于画面上布满了线格，当整个画面完成以后，漏白的地方的线格，需要用橡皮擦掉，本来我们用的纸张的密度很大，经橡皮在上面擦拭后，就会出现亮块，造成画面的不协调。后来我在这方面处理时，画面能上调子的地方就做格，漏白的地方就不做格，完成时也不用橡皮在画面上擦拭，以保持画面的整洁。

计算机的发展，给我的创作带来了辅助的作用，而且也减轻了我的劳动。现在放稿，我主要借助于计算机。首先，把素材扫描到计算机里，形成一个图象文件，然后再用PHOTOSHOP软件进行处理，把素材放大到你所需要的尺寸，再用硫酸纸进行打印。在打印稿的背面涂上铅，然后，将其附在画纸上并固定，这些工作做好后，即可用H铅笔在上面描画落稿。我用硫酸纸打印，主要是因为硫酸纸半透明，而且薄、结实，一般我用的硫酸纸都是A3规格纸。

 PHOTOSHOP软件在图象处理功能强大，钢笔画素材在其软件下处理，可弥补取材时带来的不足。 画稿落好以后，要检查是否落到位，并注意防止别弄掉落好的画稿上的铅粉，因为铅粉是附着在画稿上的。无论一幅作品画多长时间，必须保证画面的整洁。

所有的准备工作就绪后，就可进入正式作画阶段。

这方面介绍起来比较难，因为我的全部作画过程，采用的都是一次性完成的办法。所谓的一次性完成，就是在整个画面，无论从任何地方起步都可以，我可以从一个角落开始以至完成，我也可以从中间开始以至完成，总之，不管从哪个地方开始，我总是从先易于表现的地方开始，然后采用包围法完成。这可能与基本教学发生了冲突，在这一点上，我一再强调不要硬模仿这种画法，因为我在习画时并不这样做，除非你有相当的把握。无论色度如何变化，你必须有控制全局的能力，这一点希望大家根据自己的能力而定。

其实，在我做画过程中，没有什么难度，但总结起来要注意的地方就很多了。首先，要注意各种物体在画面中的出现以及它们的相互关系。用什么样的笔触（线条）来体现，灵活多变、随意性，是我主要的主导思想，我不会因为线条的雷同而力求强硬的变化。我在作画过程中，一直强调在“做”。比如，画砖墙，那么，砖墙上的每一块砖，我都是在“生产”在“砌”，而不是在“画”。既然在“做”，那么，不管采用什么方法，你能“做”像就可以了。关于画面的统一，不要担心，你的画就是你的统一，大家可以看我后面的作品，每幅作品我都是很随意的。但要注意一点，物体的质感基本都有方向性的，了解了这些，对于控制和表现就非常容易。上面谈到的“做”，还要注意，我们“做”不仅要“做”出表皮，更要“做”出灵魂。人有灵魂，动物有灵魂，在你的作品中要所有的东西都有灵魂，无论它是什么，一株小草或一粒石子，你要赋予生命给它们。

其次，要注意整幅画面的完整性，学会控制全局的色度，这一点难度较大，要学会不停的比较，眼睛要不断地在素材上与画稿上跳来跳去，不要停留在某一点上，即使你正在画的这一点。这个能力在初学素描时就应该掌握，但在这里重申，就是要从整体上控制全局，因为这种画是不能修改的。

再有，就是暗部与亮部的刻画，在我的作画过程中，暗部的处理难度较大，我们都知道，暗部是对比出来的，即使暗部再暗，也不能形成墨块，它永远是在“空间”中暗下去的，所以在我的作品中，暗部的处理一直都保持着“空间”，保持着“永远”能再暗下去的余地，钢笔画调子的丰富性在这里会得到极好的体现。

在作品创作过程中，可能还会出现这样或那样的问题，要坚定信念，按照自己的目标坚持不懈的做下去。艺术就是我的快乐，作品就是我的生命，我相信只要这样做下去，生命定会得到永恒。

                                                         2003.6